Poeta, novelista y cantante canadiense nacido en Montreal en 1934. Nació en una familia judía de clase media de ascendencia polaca en Montreal y creció en Westmount. Según la tradición familiar, los Cohen descienden de los Kohanim. «Fui querido como un mesías», contó Cohen a Richard Golstein en 1967, «y se me decía que descendía de Aarón». En su adolescencia aprendió guitarra; formará luego un grupo de inspiración country-folk, los Buckskin Boys.
A los 21 años, tras obtener la Licenciatura en Literatura Inglesa por la Universidad McGill de Montreal, publicó su primer libro de poemas, "Let Us Compare Mythologies", en el que deja entrever la influencia que han dejado en él las religiones católica y judía. Su obra posterior incluye temas de sexo, amor, religión y política, marcando en todas el espíritu rebelde que siempre le ha acompañado y su personalidad depresiva. De esta época son las siguientes obras: "Flores para Hitler" en 1964, "La Caja de Especias de la Tierra" en 1965, "Parásitos del Paraíso" en 1966, "La Energía de los Esclavos" en 1969 y sus novelas "El Juego Favorito" y "Los Hermosos Vencidos".
Conocido especialmente por su faceta de cantautor, sus letras son muy emotivas y líricamente complejas; ha vivido en Montreal, Londres, Grecia, Nueva York y Los Ángeles. Sus tres ejes temáticos predominantes, el amor, la religión y las relaciones de pareja, deben más a los juegos de palabras y metáforas poéticas que a las convenciones de la música folk. Cohen canta con una voz peculiarmente grave, ha influido en muchos otros cantautores y sus canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas. A causa del pesimismo que irradia su música, la prensa lo ha considerado "el depresivo no químico más poderoso del mundo".
El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; la experiencia de Cohen como novelista y poeta le dota de una sensibilidad especial para tratarlos. Suzanne, probablemente la primera canción de Cohen que atrajo la atención de públicos amplios, mezcla cierto tipo de amor con la meditación religiosa, mezcla que igualmente se produce en Joan of Arc. Famous Blue Raincoat ofrece el punto de vista de un hombre cuyo matrimonio se ha roto debido a la infidelidad de su esposa con un amigo de él.
Su voz un pozo que en lo hondo guarda palabras que nos ayudan a desvanecernos para estar más presentes. Sus textos una suerte de bálsamo, a veces ciertamente acre, que nos hace sentirnos siempre amados, al menos por la música. En 1990, agobiado por el inconformismo, decidió ordenarse como monje de la religión Zen. En 1999, después de casi nueve años en el monte Baldy, abandonó los hábitos para dedicarse de nuevo a la música y la poesía.
“Todos queremos tocar el cielo (un homenaje fabuloso)” es el nombre del tributo a la banda que nos une, y en el que 57 bandas de extracción under grabaron 57 covers recorriendo toda la discografía de la banda, en su gran mayoría imprimiendo el sello personal de cada una de ellas. El álbum da cuenta del legado de una banda que le puso ritmo a todo Latinoamérica. Sólo ellos lograron amalgamar tan bien tanto ritmos y géneros distintos, del ska al mambo, pasando por la samba, el reggae y el punk rock. La música de Los Fabulosos Cadillacs no tiene fronteras, y por eso se merecen este disco, donde artistas de diferentes países y estilos les rinden tributo.
Surgió como una idea de Alberto Moles, director general de PopArt, la discográfica que produjo la obra, y cuenta con la participación de solistas y grupos muy reconocidos de Argentina y del exterior.
Lo primero que salta a la vista al mirar la contratapa es que participan grupos de todas partes, en líneas generales el primer disco está conformado por bandas del interior de Argentina, el segundo por bandas de Buenos Aires y el tercero abarca Latinoamérica, España e Italia. Los sencillos de presentación estuvieron a cargo de Los Tipitos y Los Cafres, los primeros destellando con una impecable versión rock de “Siguiendo La Luna”, los segundos llevando “Vos sabés” a las suaves cadencias jamaiquinas. La versión de Cuentos Borgeanos de “Calaveras y diablitos” pierde estilo en su final – por asemejarse demasiado a Catupecu Machu, la ex-agrupación de su cantante Abril Sosa -, mientras Andrés Calamaro aporta una versión balada de “Vasos Vacios” perfecta por su sencillez.
Otra composición que también se lleva las cinco estrellas, es una versión reggaera de “El satánico Dr. Cadillac”, que una vez más prueba el profesionalismo de Los Pericos a la hora de versionar canciones. ¿Será que tienen un aparato en la casa al que le metes cualquier melodía y te cocina un reggae?.
Cada artista eligió una canción de su preferencia (con la consigna de no repetir) dentro de toda la producción de Los Fabulosos Cadillacs para grabar una nueva versión. Participaron en el disco Andrés Calamaro, Los Cafres, Los Auténticos Decadentes, Los Pericos, Kapanga, Massacre, Árbol y Cuentos Borgeanos, de Argentina; Cartel de Santa y Nortec Collective, de México; Aterciopelados y Doctor Krápula, de Colombia; No Te Va Gustar, de Uruguay; Matamba, de Bolivia; Los Amigos Invisibles, de Venezuela; Cultura Profética, de Puerto Rico; y Los Delinqüentes, de España.
Los Fabulosos Cadillacs se formó en Buenos Aires en 1985. Es reconocido como uno de los grupos más influyentes y exitosos del país y de América Latina. Su formación varió a lo largo de los años, pero Gabriel Fernández Capello (Vicentico), líder y cantante, y Flavio Cianciarulo, bajista, siempre estuvieron presentes, siendo los principales compositores. El grupo se separó en 2002 y volvió a juntarse en 2008. En la última etapa, realizó el Satánico Pop Tour y grabó los discos La luz del ritmo y El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs.
Artista: Varios Artistas Título del Álbum: Tributo a Los Fabulosos Cadillacs - ¡Vos Sabes... Como Te Esperaba! Año de Lanzamiento: 2009 Género: Ska / Rock
1 - Vos sabes - Los Cafres (Argentina) 2 - Vasos Vacíos - Andrés Calamaro (Argentina) 3 - Siguiendo la luna - Los Tipitos (Argentina) 4 - El santánico Dr. Cadillac - Los Pericos (Argentina) 5 - Demasiada presión - Los Auténticos Decadentes / Los Delinquentes (España) 6 - Padre nuestro - Aterciopelados (Colombia) 7 - N° 2 en tu lista - Kapanga (Argentina) 8 - Basta de llamarme así - No Te Va A Gustar (Uruguay) 9 - Mal Bicho - Los Amigos Invisibles (Venezuela) 10 - Manuel Santillán el león - Nortec Collective (México) 11 - El matador - Cartel De Santa (México) 12 - Desapariciones - Matamba (Bolivia) 13 - Silencio hospital - Cultura Profética (Puerto Rico) 14 - Calaveras y diablitos - Cuentos Borgeanos (Argentina) 15 - Estoy harto de verte con otros - Massacre(Argentina) 16 - Mi novia se cayó en un pozo ciego - Árbol (Argentina) 17 - La vida - Dr. Krápula (Colombia)
Sigur Ros: Inspiración y Sentimiento desde Islandia.
Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés y significa "rosa de victoria". Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente, en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la grabación de Ágætis byrjun tras la cual Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería). Sigur Rós nació en diciembre de 1994, formado por el cantante y guitarrista Jón Þór Birgisson (Jónsi) y el batería Ágúst Ævar Gunnarsson. Poco tiempo después se unió al grupo el bajista Georg Hólm, al que Jónsi conocía desde el instituto, y con esta formación acudieron a un estudio de grabación para comenzar a trabajar en lo que sería su primero disco, Von ('esperanza').
Después de la publicación de Von, Kjartan Sveinsson ingresó en el grupo para hacerse cargo del teclado. Poco después comenzaron a grabar su segundo disco, de Ágætis Byrjun ('un buen comienzo'), con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes. La fecha prevista de salida eran las Navidades de 1998, pero el disco se retrasó hasta el verano de 1999. Mientras tanto, el grupo, con ayuda de Gus Gus, decidió sacar a la venta un disco con versiones de las canciones de Von. El resultado fue Von Brigði ('papelera de reciclaje', 'decepción'); este disco, que apareció en agosto de 1998, tuvo éxito en Islandia y consiguió que se prestara cierta atención al grupo.
El gran momento de Sigur Rós llegó con la publicación de Ágætis Byrjun el 12 de junio de 1999. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia: durante dos años se mantuvo en la lista de los discos más vendidos.
En 2002, el anticipado álbum (...) fue lanzado. Todas sus canciones fueron publicadas sin título, siendo posteriormente publicados sus nombres en el sitio web oficial. Todas las canciones son cantadas completamente en un lenguaje fonético improvisado llamado vonlenska (de von, 'esperanza' e íslenska, 'islandés'), creado por Jón Þór Birgisson, que integra sonidos del idioma islandés. La razón es que el oyente debe interpretar su propio significado de las letras, las cuales puede escribir en las páginas blancas que trae el libreto del álbum.
En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba Ti Ki Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Los críticos de estos paises se volcaron con ellos y las grandes discográficas comenzaron a hacer ofertas. Después de pensarlo mucho, Sigur Rós firmó con MCA buscando las condiciones de mayor libertad artística. Su gira por Estados Unidos se completó finalmente, a pesar de los problemas surgidos de los atentados que sufrió este país el 11 de septiembre de 2001. Durante la gira se editó de forma limitada un disco en colaboración con Steindór Andersen (Steindór Andersen EP) que actualmente es muy difícil de conseguir.
En las giras del grupo no se limitaban a tocar temas de sus primeros discos, sino que se centraban en material nuevo. Esta insistencia en tocar temas aún sin grabar acabó jugándoles una mala pasada, ya que a la hora de entrar en el estudio las canciones habían perdido fuerza y el grupo se sentía aburrido de repetir lo mismo una y otra vez. Su álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von.
En 2007 publicaron el álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007). Más recientemente, el 23 de junio de 2008, se puso a la venta el último álbum de estudio de la banda llamado "Með suð í eyrum við spilum endalaust", que traducido al español sería "Con un zumbido en los oídos tocamos eternamente". Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.
Andrés Calamaro: Más de 30 años años cantándole al amor
Nacido en Buenos Aires el 22 de agosto de 1961 y es considerado uno de los más grandes artistas del rock argentino. Durante toda su carrera ha pertenecido a bandas de gran importancia como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez. Artista prolífico que ha compuesto varias de las canciones más importantes del rock en español. Su influencia con el paso del tiempo ha sido innegable. Ha compuesto decenas de hits con los que ha sido reconocido en el mundo musical, pero además de eso ha logrado trascendencia con discos que van de lo simple a lo complejo de manera versátil y coherente.
Su estilo es ecléctico y en su música podemos encontrar rasgos de puro rock n' roll pasando por el folk, funk, tango, blues, jazz, reggae, bossa nova y hasta incluso hip-hop. Sus discursos y frases célebres le han dado status de poeta, algo con lo que muchos no están de acuerdo. Es un artista totalmente flexible que en sus conciertos ha mezclado el más puro rock n' roll con diversos géneros.
Con 18 años participó en el grupo 'Raíces', donde tocaba los teclados. Tras pasar por la “Elmer Band”, formó parte del grupo 'Los abuelos de la nada', con quienes grabó cinco discos entre 1982 y 1985, a la vez que colaboraba con distintos artistas de su país. Calamaro integró infinidad de grupos, siempre en calidad de invitado. Participó en La Ray Milliand Band (con Pipo «Látex» Cipolatti, Daniel Melingo, Miguel Zavalata, Hilda Lizarazu y Fabián Von Quintiero), Los Zodíaco y Comida China (con Rafael Bini, Tom Lupo, Chiche Alberti, Willy Crook, Fabián Von Quintiero, Miguel Zabaleta, Hilda Lizarazu, Fabiana Cantilo y Rinaldo Raffanelli).
En 1984 hizo su debut solista, con "Hotel Calamaro". La producción de algunos temas estuvo a cargo de Charly García y Fito Páez participó de algunas sesiones, ya que estaba grabando su LP "Del '63" en el mismo estudio. Paralelamente a toda esta actividad y baile de grupos, Andrés Calamaro colabora como productor para ayudar a dar el salto a otro conocido grupo, 'Los enanitos verdes'. En 1987 publica un nuevo disco en solitario, 'Por mirarte', aunque no tuvo demasiado éxito entre el público. Dos años después, en 1986, publica 'Nadie sale vivo de aquí', que tuvo gran acogida por parte de la crítica.
En septiembre de 1991 emigró a España, en donde fundó la banda Los Rodríguez, junto a Ariel Rot, Julián Infante y Germán Vilella. Con este grupo hispano-argentino grabó cuatro placas y consiguió mayor éxito con "Sin Documentos" (1993). Tras el disco 'Sin documentos', el grupo decide disolverse, y comienza una nueva etapa en solitario para Andrés Calamaro. Es en este período (a partir de 1997) en que se editan 'Alta suciedad' y 'Honestidad brutal', discos repletos de canciones (hasta 37 temas en un solo álbum), con una calidad extraordinaria, lo mejor de Calamaro.
La hiper-productividad habitual de Calamaro se plasmó en el 2000 con su disco quíntuple "El salmón", el material es un rejunte de grabaciones registradas en su estudio casero, algunas de ellas retocadas luego para su edición. Varios años de silencio pasaron antes de su siguiente disco. en el 2004 se despachó con "El cantante", un disco casi acústico de canciones clásicas del repertorio latinoamericano y tres canciones propias. En 2006 publica "Tinta roja". Se trata de un proyecto que el cantante argentino tenía hacía tiempo de rendir un homenaje a la música de su país en forma de un disco que recogiera varios tangos clásicos.
A finales de 2006 aparece "El palacio de las flores", un nuevo álbum de Andrés Calamaro que incluye 17 temas nuevos y que fue grabado íntegramente en Buenos Aires, con la ayuda en la producción del mítico Litto Nebbia. En 2007 Andrés Calamaro regresa con un nuevo trabajo titulado "La lengua popular", un disco grabado íntegramente en Buenos Aires, con un nivel de calidad extraordinario y que sitúa a este artista como uno de los mejores compositores de los últimos años.
Nacido para componer, cantar y hacer música, Calamaro va matizando su propia existencia, ahora con lo que nunca, una mujer y una hija que seguramente serán la fuente de inspiración de muchos temas que con el tiempo podremos disfrutar. Sus composiciones que poco a poco con un estilo melancólico, con historias de amores perdidos y de corazones dolidos, fueron convirtiéndose en el himno indiscutido de muchos, en distintos tiempos y en distintas épocas.
Bossa Nova: "A voz do sentimeintos do Brasil"..."La Voz del Sentimiento de Brasil"
La bossa nova es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Río de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo”. “Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”, “instinto” o capacidad natural.
Este estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos de la samba callejera, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña.
Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es "La Chica de Ipanema" (A Garota de Ipanema) de Antonio Carlos Jobim, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés.
Se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa). En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada, como puede escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto. Incluso en los arreglos de jazz de más envergadura, que se hacían para grupos hay casi siempre una guitarra que lleva el ritmo principal. Un instrumento que marcó a este genero y le dio la particularidad de su sonido, fue el cavaquinho; es un instrumento portugués, en forma de guitarra pero mucho más pequeño, que antes de que se introdujera en la Bossa, se usaba sólo para acompañar en las canciones, en cambio, en este ritmo, se ve como protagonista muchas veces en innumerables solos.
Lo que diferencia a la bossa-nova de las anteriores formas musicales es la manera de situar al mismo nivel varios elementos de la canción, tales como la melodía o el ritmo. Incluso se logró integrar la colaboración de un cantante, con un aire característico de delicadeza y un sonido ligeramente nasal. La típica voz nasal puede tener sus orígenes en la música rural tradicional del caboclo.
Sus artistas más representativos son: Bebel Gilberto, Gilberto Gil, João Gilberto, Sergio Mendes, Vinícius de Moraes, Roberto Menescal, Caetano Veloso, Paulinho Moska, y hasta Frank Sinatra tuvo varias composiciones y acompañamientos basados y estructurados en este excelente ritmo y género musical.
Édith Piaf cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, nació en Paris e. 1915 y murió en el año de 1963. Fue una de las cantantes francesas más célebres. Edith se convierte también en una especie de icono parisino y en la musa de los existencialistas. En la década de 1950, Piaf era famosa en muchos países. El público norteamericano la consagró en 1956 en el Carnegie Hall de Nueva York, al que regresó con frecuencia, tras iniciar ese mismo año una cura de desintoxicación. En 1958 graba la canción Milord, que se convertirá en uno de sus enormes éxitos mundiales.
En 1935, es descubierta en la calle por Louis Leplée, gerente de un cabaret de moda, el Gerny's, situado en la Avenida de los Campos Elíseos. La invita a presentarse con el nombre artístico de la niña Gorrión ("la Môme Piaf") debido a que era de pequeña estatura (1.47 m) como un gorrión.
En 1937, Édith debuta en el género de music-hall en el teatro ABC de París. Se convierte inmediatamente en una estrella de la canción francesa, adorada por el público y difundida por la radio. En la primavera de 1944 se presenta en el Moulin Rouge, donde el joven cantante de music-hall Yves Montand forma parte importante del espectáculo. Se produce un flechazo entre los dos artistas y Édith Piaf lo presenta a las personas más importantes de la época en el mundo del espectáculo: Joseph Kosma, Henri Crolla, Loulou Gasté, Jean Guigo, Henri Contet, Louiguy, Marguerite Monnot, Bob Castella, Francis Lemarque...
Durante la guerra, Edith Piaf cantaba en los clubes y music-halls, en donde conoció a su contemporánea alemana Ilona Hesse, y ayudaba a los prisioneros a escapar. Tras la guerra, en 1945, escribe la letra de La vida en rosa, su canción más célebre, que interpreta en la Comédie-Française.
El 10 de octubre de 1963, Édith Piaf fallece en Plascassier a los 47 años de edad, por causa de la cirrosis. El transporte de sus restos mortales fue organizado de forma clandestina.
Su fallecimiento fue anunciado oficialmente el 11 de octubre, el mismo día en que muere su amigo el cineasta Jean Cocteau. Su entierro tiene lugar en el cementerio de Père Lachaise, en París, con el homenaje de una inmensa multitud de admiradores. Charles Aznavour declaró que desde la Segunda Guerra Mundial no se había detenido de esa manera el tráfico de toda la ciudad.
Madredeus es un grupo musical portugués, formado en 1985 por Teresa Salgueiro (voz), Pedro Ayres Magalhães (guitarra clásica), Rodrigo Leão (sintetizadores), Fernando Judice (guitarra acústica), Gabriel Gomes (acordeón) y Francisco Ribeiro (violonchelo); más tarde se incorpora José Peixoto (guitarra) y se marcha Rodrigo Leão, siendo sustituido por Carlos Maria Trindade.
El nombre del grupo viene dado del lugar de ensayo, el Teatro Ibérico al lado del Convento de Madre de Deus, en la zona oriental de la ciudad de Lisboa. Al principio de tocar, la gente que iba a los ensayos decía "¿me puedes llevar hasta Madredeus, al concierto?" y poco a poco fue derivando hacia "me llevas a Madredeus", quedándose así como nombre definitivo del grupo.
El fado es un género musical tan indefinible como el estado emocional que en portugués se llama saudade. Pariente del bolero, pero quizá más sutil. Fue el fado lo que unió a Madredeus. La simple belleza de la voz humana y su canto. Otra de las razones del éxito de Madredeus es la distancia que su música guarda con la estridencia de cada día, con el escándalo y los agobios cotidianos. Vale decir que esta es música para escucharse en paz.
Las canciones han surgido más o menos de improvisaciones. Fueron creadas en una atmósfera de gran calma y algunas como ejercicios diseñados para practicar con todos los instrumentos juntos. En sus conciertos tratan de relajar la tensión que existe entre la audiencia y los músicos. Lo que pretende Madredeus es dar el tiempo de crear la música en el escenario, de manera que la gente que escucha pueda acompañar a esta excelente agrupación en este acto de creación.
El sonido de Madredeus es inconfundible, sutil, con la belleza de lo sincero, remite a la vieja ciudad de Lisboa y sus encantos. Se trata de los dulces fados y una amplia recreación de la música tradicional portuguesa que ha estremecido a públicos de los más diferentes lugares, animado películas y celebrado inolvidables conciertos con decenas de miles de personas en plazas públicas.
Madredeus es un grupo singular. Primero, por su atípica propuesta musical. De marcada identidad, pero sin freno evolutivo, es irreprochable en lo creativo y tan sugerente como hermosa en su interpretación, con la instrumental voz de Teresa Salgueiro como mayor referente. Segundo, porque ha puesto a Portugal en el mapa musical internacional: con una oferta presumiblemente minoritaria hace 13 años.
El grupo ha acabado por tener una acogida internacional, amplia y ecléctica, aunque con parecida sensibilidad. No sólo ha superado sus propias crisis internas, sino que sistemáticamente se ha aprovechado de ellas, quedando siempre como referentes la voz de Teresa y la creatividad y el férreo liderazgo de Pedro Ayres, su portavoz.
"Paz sin fronteras" es el nombre que recibe una serie de conciertos gratuitos al aire libre liderados por el cantante colombiano Juanes junto a otros artistas reconocidos a nivel internacional. La primera edición se realizó en 2008 entre la frontera de Colombia y Venezuela, la segunda en 2009 en la Plaza de la Revolución en Cuba y se planea una tercera edición en la frontera entre México y Estados Unidos en 2010.
"Paz sin fronteras" nació como iniciativa tras la crisis diplomática que mantuvieron Ecuador, Colombia y Venezuela, desde la incursión de fuerzas colombianas en territorio ecuatoriano (Bombardeo de Santa Rosa de 2008), que dio como resultado el fallecimiento de Raúl Reyes, segundo al mando de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia FARC.
El primer concierto tuvo como objetivo reafirmar el mensaje antibelicista de que los colombianos, ecuatorianos y venezolanos son hermanos sudamericanos, independientemente de la relación que exista entre la orientación política de los gobiernos de turno. Fue organizado por Juanes, quien a su vez fue su anfitrión. Ocurrió el 16 de marzo de 2008 en el Puente Internacional Simón Bolívar, en la frontera colombo-venezolana que se ubica entre la ciudad de Cúcuta y la localidad de San Antonio del Táchira.
Los artistas que participaron del primer concierto fueron Alejandro Sanz, Juan Fernando Velasco, Carlos Vives, Juan Luis Guerra, Miguel Bosé, y Ricardo Montaner, además del propio Juanes. Ninguno de los artistas ni las personas encargadas del concierto cobró por sus servicios, por tratarse de un concierto gratuito al aire libre que busca ser un símbolo en busca de la paz en la región. Según los cálculos, más de 300.000 personas estuvieron en “Paz sin Fronteras”.
En el segundo concierto realizado en La Habana sobre el escenario de la Plaza de la Revolución y ante más de 1.150.000 asistentes, en su mayoría cubanos, y extranjeros entre turistas y estudiantes, esta cifra a grandes rasgos convierte este concierto en el más grande de la historia después del que realizaran los Rolling Stones en Rio de Janeiro (Brasil).. Los artistas asistentes: Juanes, Olga Tañón, Danny Rivera, Miguel Bosé, Víctor Manuel, Luis Eduardo Aute, Juan Fernando Velasco, Jovanotti, Amaury Pérez, Silvio Rodríguez, Orishas, Carlos Varela, X Alfonso, Cucú Diamantes y Yerba Buena y Los Van Van terminaron emocionados cantando en un coro gigantesco por la paz, en el segundo Concierto "Paz Sin Fronteras".
Para la tercera edición de este significativo concierto se espera tener una asistencia tan o mucho más numerosa que la presentada en La Habana, el lugar a realizarse es la frontera entre México y EEUU en las poblaciones de Ciudad Juárez (México) y El Paso (EEUU). El mensaje es no a la separación de los pueblos y no al la violencia producida por el narcotráfico.
El Fado: Una canción triste y melancólica dedicada al amor
El fado es el corazón del alma portuguesa y está más vivo que nunca. Una nueva y férrea generación de artistas se une a las voces míticas de antaño. El elemento esencial de la música fado el “saudade”, o lo que en portugués se traduce como anhelo. Se trata de una música triste que canta al destino (fado viene del latín fas, fatum, y es sinónimo de "destino"), a la muerte, al amor traicionado, a la desesperación y a la melancolía.
El origen de esta música popular se remonta a principios del siglo XIX de entre las clases más bajas y los barrios marginales. El fado era la música desgarradora de las tabernas, los burdeles y los rincones oscuros de los barrios de Alfama y Mouraria, la parte antigua y pobre de Lisboa. Más adelante, estas canciones procedentes de los suburbios, se pusieron muy de moda entre la clase aristocrática, que la introdujo estos versos en sus vidas a modo de excentricidad. Como muchos otros tipos de músicas populares, como el tango argentino, el blues americano o el flamenco español, el fado no debería definirse, sino padalearse como un manjar exquisito.
Tanto hombres como mujeres pueden cantar fados, aunque el gran público casi siempre prefiere una voz femenina para este género. Un buen fadista exagera sus expresiones faciales y gesticula con tesón en sus actuaciones. Las manos se mueven de un lado a otro con vaivenes elegantes, mientras el cuerpo permanece estático.
Este género alcanzó su época dorada en la primera mitad del siglo XX, cuando la dictadura portuguesa de Salazar forzó a los cantantes de fado a convertirse en profesionales y los confinó en las casas de fado (locales que se habilitaron con tal propósito). Hoy en día, el fado está protegido por las instituciones oficiales y se cultiva como un espectáculo turístico.
Amalia Rodrigues ha sido la reina del fado, idolatrada en su tierra y celebrada en el extranjero como la más famosa representante de la cultura portuguesa. Otros grandes de este género han sido Carlos Ramos, Alfredo Marceneiro, Berta Cardoso, Maria Teresa de Noronha, Hermínia Silva, Fernando Farinha, Fernando Maurício, Lucília do Carmo o Manuel de Almeida.
En la actualidad, Cristina Branco y Mariza son dos de las fadistas más vitoreadas. Ambas tratan de llevar este género entre el ejercicio de la tradición y las nuevas tendencias.
Nació en Buenos Aires - Argentina en el año 1965. integró la conocida banda Todos Tus Muertos, creada en la década del 80 y separada en el año 2000, y la banda Lumumba. Sus influencias principales están relacionadas con el reggae y los ritmos afroargentinos y es compositor de sus propias letras y además de esto, Fidel participa activamente de proyectos musicales con músicos y bandas de Argentina (Dancing Mood, Damas Gratis, Mimi Maura) y de otros paíeses (Oskar-T, Boomer, I Jah Bones, Mikey Dread). En el mismo sentido, fue importante su paso por el grupo Mano Negra, con el que grabó el disco Casa Babylon.
"Todos Tus Muertos" es ya un clásico del rock argentino, a lo largo de su historia nos llevaron del Punk y Hard Core de sus inicios al Reggae siendo en este ultimo genero donde lograron conquistar el corazón de miles de adeptos a su música. Liderados por el carismático Fidel Nadal esta banda produjo 6 discos antes de dar por terminado uno de los ciclos mas importantes del reggae en español, a la par de los últimos años de esta banda también hizo su aparición en la escena rasta una banda llamada "Lumumba" grupo de reggae donde también podíamos encontrar a los vocales de "TTM" (Todos Tus Muertos) ahora acompañados de algunos amigos de otras bandas.
Lumumba en su corta pero productiva historia nos regalo 3 discos que también lograron ganarse la aceptación de los seguidores de este cadencioso ritmo, la banda tenia la necesidad de tocar mas reggae y dejar atrás la música dura pero ante la desaparición de ambos proyectos Fidel Nadal decide continuar su camino por cuenta propia con lo que decide hacerse acompañar de algunos de sus viejos amigos y excompañeros de bandas.
En el año 2000, luego de la separación de Todos Tus Muertos y Lumumba Fidel comieza una nueva etapa como solista y productor, sacando su primer material editado por su sello kdusanbesa " Selassie I Dios Todopoderoso" . Luego de ese año, Fidel emprende un largo viaje alrededor del mundo grabando y produciendo nuevos y viejos talentos de la música reggae, y de esa forma lanza por sus distintos sellos una importante cantidad de discos por todo el mundo.
Proyectos como "Dame una alegría" con Pablo Molina (Voz de TTM) fueron configurando su solida carrera solista caracterizada por la búsqueda de nuevos sonidos de Jamaica con influencias del sound system y las nuevas estrellas de la isla. "Emocinado" posiciona a Fidel como referente del genero Reggae en Argentina y América Latina, además lo llevan a giras internacionales que incluyen un disco en vivo en Japón. Y una prolífica discografía con líricas que hacen hincapié en el legado rastafari.
A principios de 2009, el primer sencillo de su álbum "International Love" (llamado igual que el disco) llega al puesto número 1 en las listas de su país, convirtiéndolo en su primer hit hasta la fecha.
Como diría el propio Fidel: "Dijeron que yo quería que Argentina sea Jamaica, y me quede pensando… algo de razón tenían"
Cuando hablamos de sonidos que evocan al amor no podemos quedarnos sin mancionar a un duo africano, provenientes de la república de Malí, que hacen de su voz y de su canto en frances un culto a la música y al amor.
Estamos hablando de Amadou & Mariam, un dúo que ha sacado de las fronteras de África la música más autóctona de esta región, además se ha dado en la tarea de crear una mezcla original de instrumentos y sonidos de diferentes partes del mundo. Dentro de su sonido podemos encontrar instrumentos tales como guitarras eléctricas, violines, trompetas cubanas, trombones colombianos y otros instrumentos que se utilizan alrededor del mundo pero que no son muy usdos en el mundo occidental.
Pero igual así llegó esta música a América Latina, aunque se puede decir que no propiamente por la influencia de ellos mismos y su música. Es importante decir que por su idioma y sus cantos en frances se pensaría que no podrían llegar a un mercado netamente latino, pero ellos con el acompañamiento de un gran artista tan posicionado en Francia como en Latinoamérica como lo es Manu Chau salieron de su natal Malí a conquistar el mundo entero.
Para dar un ejemplo muy claro del progreso musical de este dúo, en 2003 cuando conocieron a Manu Chao produjeron con él una de sus mejores producciones discográficas "Un Domingo en Bamako - Dimanche à Bamako", álbum que a lo postre serviría para que en el 2006 hicieran la grabación "Celebrate the day", uno de sus principales exitos, que posteriormente fue tomado como el himno de la Copa Mundial de Fútbol de Alemania 2006.
Amadou et Mariam en casi 30 años han sido un verdadero exito de la música africana, ambos y es importante decirlo son marido y mujer y seguramente esta unión de almas y de amor es precisamente lo que ha hecho que su excelente música y su diferente sonido llegue a cualquier rincón de este gran planeta.
Por ahora nos queda sólo sentarnos a escuchar cualquiera de sus 9 trabajos editados y masterizados, en ellos podemos encontrar realmente la verdadera expresión de un sentimiento de amor por la tierra, las raíces y, sobretodo, la música.
El Reggae como género musical tiene sus orígenes en Jamaica y el mismo se populariza a lo largo de la década de 1970 en el resto de las Antillas Británicas y en las comunidades de inmigrantes negros de dichas islas en Norteamérica, Gran Bretaña y América Central, lugar hacia donde llegaron grandes movimientos migratorios de trabajadores negros.
En Colombia su entrada fue por San Andrés y Providencia, zona insular colombiana pero que esta más cerca de Jamaica por lo cual su influencia Rasta se ha visto más marcada y esta se presenta como parte de las costumbres y tradiciones de los colombianos nacidos en San Andrés.
A través de los años, en especial al final de la decada pasada y lo que va de esta, el Reggae se ha ido diseminando a lo largo de todo el mapa colombiano, particularmente en ciudades como Medellín y Bogotá en donde se han creado movimientos inclinados al Rastafarismo de los cuales se han desprendido grandes bandas con un sonido original que en la actualidad se han ganado una buen posicionamiento en los movimientos Reggae de toda latinoamérica.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos. Colombia al ser un país enclavado en el caribe recibió todas estas influencias y las adoptó como si fueran propias, luego las llevó al interior del país donde fueron tomando forma para dar como resultado un actual movimiento Rastafari bastante amplio, sobretodo en las tres ciudades mencionasdas anteriormente.
En las costa caribe colombiana el Reggae y sus estilos musicales no tuvieron mucha fuerza ya que en esta región tenían que competir directamente con unos géneros musicales ampliamente posicionados, como lo es el Vallenato y la Cumbia. estos sonidos se radicaron fuertemente en estas zonas y no dejaron progresar otros estilos musicales, por eso en esta región encontramos los sonidos más autóctonos de Colombia, los cuales fueron desarrollados y convertidos en los géneros nacionales, por los que se conoce a Colombia en el mundo musical.
Pero en Colombia este género no se transformó de su esencia original aunque se cambió el idioma de entonación de la tonadas que se cantan a Jah en las cuales se predica el amor, el respeto por la naturaleza y la busqueda de la libertad espiritual. En estas mismas canciones se evocan personajes afro descendientes que eran los profetas del Rastafarismo, el reggae sigue haciendo odas a Marcus Garvey quien para algunos Rastas es la encarnación de Juan el Bautista mientras que para otros es la encarnación de Moíses. Garvey no creía en la violencia y exhortaba a sus seguidores a respetar la constitución y a no provocar altercados, esta es la base del Rastafarismo puro.
Otro personaje que dejo huella dentro del Rastafarismo fue Haile Selassie I, quien fuera el último emperador de Etiopía, nación la cual es la tierra santa para los Rastas (y en donde supuestamente dicen que se encuentra el Arca de la Alianza entregada por Dios "Jah" a Moíses". Garvey ganó su respeto al predecir la ascención al trono del Rey Haile Selassie I el cual es tomado por el movimiento Rastafarista como la venida de Cristo a la tierra, pero este personaje no reconocía su divinidad pero los Rastas lo seguían viendo como el último monarca decediente de la dinastía del Rey Salomón.
Estas creencias son aún mantenidas en todo el mundo Rastafari y es algo muy conocido por los amantes del Reggae, pues es precisamente este género musical el encargado de contar las historias vividas por Marcus Garvey y Haile Selassie I, y también de mostrar su divinidad tanto de hombres como de seres divinos.
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Pero igual así llegó esta música a América Latina, aunque se puede decir que no propiamente por la influencia de ellos mismos y su música. Es importante decir que por su 
